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Las obras artísticas de Marta Blasco no pueden clasificarse si no es desde el concepto de realismo. Es éste un concepto antiguo, muy discutido, con frecuencia anhelado y también rechazado. Durante siglos, artistas plásticos, poetas, teólogos y filósofos han discutido sobre este tema, con argumentos como: No debes hacerte ninguna representación, el realismo no es un arte, el arte abstracto se escapa del mundo y distancia a las personas.

Hoy en día ya no entendemos por realismo el naturalismo llano del trompe l’oeil, es decir, el naturalismo del trampantojo. Cuando hablamos de realismo ya no nos referimos al idealismo que embellece lo visto, como sucede por ejemplo en los retratos de gobernantes. Actualmente, el realismo ya no es una cuestión de estilo sino un método crítico para el análisis artístico del mundo, porque la realidad de este mundo no es únicamente la que se ve, es decir, el mundo creado. Esa realidad son también los mundos interiores que sólo pueden verse cuando alguien puede representarlos.

Viendo los cuadros de Marta Blasco, llaman la atención los criterios de cuestionamiento que no quiere utilizar. Blasco no cuenta historias, ni introduce elementos narrativos en sus obras. Más bien, niega la imagen del suceso y se concentra en individualidades. A menudo sólo muestra los torsos de esos personajes, que no se mueven. Están en reposo. Excepto dormir, yacer, andar, estar de pie o morir, no actúan como figuras responsables de un hecho dramático. Aparecen concentrados en sí mismos. Es como si no se les pudiera inquietar, aunque sí pueden trasladar un cierto desasosiego al observador, que, a su vez, puede proyectar sus propias vivencias a estas situaciones especiales que muestran los cuadros.

El lema de estos cuadros podría ser: no pasa nada. Pero este argumento sólo es válido para los cuadros, no para el observador. Éste, amplía su margen de maniobra porque las representaciones no son retratos perfectos y, además, porque la artista centra su atención en los detalles. Marta Blasco crea imágenes humanas atemporales en las que no cabe la fealdad. Sus modelos desprenden belleza en y a través del cuadro.

Existe en la obra de Marta Blasco una variedad de técnicas diferentes: pintura al óleo, dibujo, video y grabado. En estos últimos años, la artista ha combinado especialmente el dibujo, la pintura y el vídeo. De esta nueva armonía triple surge un nivel descriptivo más complejo, que no podría darse en una obra simple. Individualmente, los cuadros de Blasco son tranquilos, atemporales y ensimismados. De la combinatoria de técnicas deriva una secuencia de lectura del cuadro, que empieza cuando el observador entabla una cronología de entendimiento con la obra, lo que puede entenderse como una acción oculta.

Como las imágenes son muy ricas iconográficamente, el espectador puede llenarlas con sus propios significados e ir más allá del aparentemente poco realista contexto de los cuadros. Marta Blasco llevó a cabo un proceso similar en su serie de “Papeles Rotos”. La destrucción y reordenamiento de una unidad anterior ofrece al observador la oportunidad de un mirar narrativo.

El trabajo de Blasco sobre la Ascensión consiste en un dibujo y un video realizado en paralelo al propio dibujo que explica el proceso de trabajo de la artista y otorga al dibujo la ocasión de ofrecer un contrapunto procesual al resultado final de dibujo como un remanso de paz. Es decir, el video aclara el proceso de “ser” del dibujo, alterando esa naturaleza “calmada” que parece tener. El título de esta obra (Ascensión) puede interpretarse de una manera muy banal: una mujer sube los peldaños de una escalera sin pasamano, quizás una acción cotidiana. En sentido político, “ascensión” también significa subir al trono y en el pensamiento religioso hay también una “ascensión” al cielo. Pero la mujer de Blasco no sube la escalera de Jacob, ni aspira al cielo eterno. Ninguna señal esperanzadora le indica el camino correcto. Lleva un vestido blanco luminoso que parece cargar con su cabello, negro y largo, como deslizándolo hacia lo negro, a la negación, a la muerte ¿al infierno?

El tema de la Ascensión es bien conocido a través de la pintura religiosa. En la modernidad, es un acto frecuentemente representado que no tiene connotaciones religiosas. Con su Desnudo bajando la escalera, No.2 de 1912 depositado en el Philadelphia Museum of Art, Marcel Duchamp inaugura las series modernas de obras sobre este tema. Partiendo de esta “despedida cubista” a la pintura, Gerhard Richter realizó su famoso cuadro social: Ema (Acto en una escalera) de 1996, depositado en el Museum Ludwig de Colonia. Marta Blasco conoce estas tradiciones y las supera. Aunque no sale “en busca del tiempo perdido”, se enfrenta a él con sus cuadros atemporales, llenos de presente y futuro. Ella, Blasco, le da la espalda a la iconografía. La redefine. Su “acto” es una mujer vestida que no baja, sino que sube. Mientras las mujeres de Duchamp y de Richter vienen hacia nosotros, la figura de Blasco nos abandona, trastornando nuestra forma convencional de mirar y haciendo que nos sintamos inseguros y sorprendidos ante las energías que se esconden tras este arte tan tranquilo.

La misma combinación de técnicas a la que nos hemos referido anteriormente, la hallamos en la serie de los Corpus y las Ophelia. El tema de la ahogada es de sobras conocido, aunque aquí también el drama clásico se ve perturbado por una iconografía dramatizada, como sucede también en Judith. Marta Blasco no recoge la tradición de la Ophelia yacente entre los hermosos lirios acuáticos, sino que trabaja de nuevo con la reducción, con el torso humano.

Los dibujos y los óleos posteriormente realizados se complementan. Los cuadros están pintados con el blanco opaco tradicional (conseguido con plomo tóxico), lo que les garantiza ese brillo interior. Al mismo tiempo, ambas pinturas contrastan con la calma que se desprende del dibujo. A su vez, el vídeo, que en la serie de Ophelia cuenta conuna música de fondo que comunica expresivamente lo que se ve y le da ritmo, muestra el proceso reversible del nacimiento del dibujo. La imagen desaparece paulatinamente hasta que aparece el estado virginal del papel. Este proceso corresponde a una percepción del cuadro. Aunque muestra a personas y sus rostros, estos no miran al observador. El contacto visual debe elaborarlo el propio espectador mientras la imagen permanece reservada y misteriosa.

El conjunto de los Corpus, lleva en su propio título la alusión a la tradición del corpus en el arte. No hay en estas obras nada que sea perturbador en términos religiosos, de vida o en relación con la historia del arte. Aunque Corpus 2 recuerda a la Muerte de Marat de Jacques-Louis David, 1793 (Museo de Bellas Artes, Bruselas) o al cadáver amortajado en numerosas pinturas religiosas, Marta Blasco no busca la vía de la paráfrasis. Además, los cuadros son únicamente apuntes cotidianos de un hombre que duerme, de nuevo mostrado como uno torso. Sin embargo, la artista no elige el torso clásico antiguo como ideal de belleza, como, por ejemplo, el típico hombre erguido sin brazos. Ella encumbra al representado haciéndolo yacer en la mitad superior del cuadro, dando la impresión de que está verdaderamente elevado sobre el pedestal de las sábanas.

En estas composiciones, apreciamos el uso de diferentes contrastes de claroscuro. La técnica del carbón y el grafito no sólo permite profundidades insospechadas en el cuadro, sino también insinuaciones maravillosas, como la del ángulo de la habitación (Corpus 2), esa inexplicable iluminación del cuadro (Corpus 2) o la parte posterior sin acabar de definir (Corpus 3).

Estos dibujos de Marta Blasco atestiguan un estudio exacto de la realidad y son también evidencia de la imaginación de la artista, que le permite crear cosas más reales de lo que quizás haya visto, como el juego refinado de las arrugas de la ropa de cama, que son incluso más nítidas que las del cuerpo del hombre y le dan un aire más misterioso. Los dibujos no ocultan nada y sin embargo están atrapados en un mundo propio.

Cada uno de estos tres dibujos tiene un tamaño distinto. Aún así constituyen, por su tema, un tríptico que puede mostrarse uno al lado del otro. Enseguida se nota que forman parte del mismo conjunto. Y aunque es difícil construir una acción a partir de la secuencia (1,2 y 3), el observador intenta visualizar una serie sobre la dormición y le proporciona un contenido narrativo a estas obras. Comparando las composiciones, surgen preguntas como: ¿Es la misma habitación? ¿Se trata de la misma persona? Marcel Proust dijo en En busca del tiempo perdido: “Cuando un hombre está durmiendo tiene en torno, como un aro, el hilo de las horas, el orden de los años y de los mundos”. También en este tríptico del sueño que son los cuadros del Corpus, domina una sensación de intemporalidad que se contrapone a los sistemas del orden. Una vez más, con las formas de sus dípticos o trípticos, pone en evidencia Marta Blasco su relación crítica con los cánones tradicionales de la pintura.

El método crítico del realismo aplicado a la realidad, ha originado en Marta Blasco cuadros muy insistentes. Se podría hablar de ellos como obras existenciales que despliegan un mundo interior que por una parte es muy personal y, a la vez, muestra aspectos cotidianos muy generales.

Blasco pertenece a una generación internacional que rehúye del arte abstracto. Nuestra sociedad ya no es la garantía de una vida feliz y ordenada. Más que nunca anteriormente en tiempos de paz, las personas sufren hoy en día sus profundas inquietudes en soledad mientras observan con preocupación cómo sus planes de vida y sus esperanzas se limitan y restringen. Marta Blasco nos muestra en sus cuadros tranquilos y misteriosos esta progresiva sensación de inseguridad y desazón del individuo contemporáneo. A pesar de su discreción, los cuadros tienen en sí mismos el carácter de una llamada.

Es evidente que Marta Blasco también se distancia radicalmente de la tradición del dibujo hiperrealista -que gustaba de mostrar infinidad de trampantojos- que caracterizaba la España postfranquista. Su obra tampoco se puede comparar con la de la llamada Escuela de Leipzig. Esta representación alemana de la realidad gusta de contar verdades históricas a través de la exageración y una ligera expresividad surrealista. En cambio, el desafío a la exactitud y el detalle de Marta Blasco no plantea debate alguno con la fotografía. Curiosamente, el video es realmente la única técnica realista que utiliza, y éste siempre muestra el desarrollo de una realidad artística cambiante y nunca la realidad que existe fuera del cuadro. Marta Blasco evita las comparaciones. Piensa radicalmente en arte. Sus obras nada tienen que ver con las figuras embellecidas de una narración misteriosa como las que conocemos a través del arte de Balthus.

Marta Blasco sigue su propio camino. Y aunque a veces se cruza con otras vías, permanece siempre en su propio mundo pictórico. Sus representaciones son reductivas. Nunca muestran todo lo posible. En muchos pasos, pero nunca en un colorido llamativo, ofrecen una visión psicológica del mundo. Sus obras son actuales y al mismo tiempo parece que están fuera del tiempo. Son atemporales. Provocan agitación mediante su aparente exactitud, aunque no puede decirse que tengan un sentido voyeurístico. La exhibición de los hechos que les da forma está ligada a una crítica emocional, a experiencias y esperanzas.

Al observador se le exige siempre pensar siguiendo el hilo de los pensamientos de la artista, aprovechando la experiencia de su mirada en sentido positivo. No existe en estas obras ningún valor de entretenimiento. Marta Blasco se lo pone más difícil al espectador de lo que él mismo cree en un primer momento. Es así como ella establece esa lógica de lentitud que define sus cuadros, mientras, simultáneamente, les proporciona longevidad. Las obras de Marta Blasco no fueron concebidas como pura alegría y entretenimiento para los ojos. Son acompañantes intensivos en la vida.

Dieter Ronte
Palma de Mallorca, julio de 2012 [:en]

 

 

 

 

 

Marta Blasco’s work cannot be classified without using the term Realism. Which is an old term, discussed many a time, wished-for and often also discarded. For centuries, artists in the spheres of the visual arts, poetry and theology – but also religions – have argued about it. Thou shalt not make unto thee any graven image, Realism is not art, abstract art withdraws from the world or alienates man from it and so on.

Today, we understand Realism not just as the stale Naturalism of the trompe l’oeil, meaning the Naturalism of optical illusion. Nor do we mean Idealisation, which beautifies what we see, for example in the portraits of rulers. Today, Realism is not a question of style, but a critical method used to question the world artistically. The reality of this world is not just the one we see, meaning the god-given world. Our inner worlds are an inseparable part of it and they can only be seen if someone depicts them.

If we look at the paintings by Marta Blasco, it is fairly clear which questioning criteria she does not apply. Blasco does not tell a story, she is not looking for narrative elements. She rejects narrative painting. She concentrates on people on their own. They are often only visible as a torso. They do not move. They are at rest. Other than sleeping, lying, walking, standing or dying, they do not act as figures responsible for a dramatic action. They are all centred in themselves. They cannot be troubled. But they can still cause an inner unease in the observer. Because he will project his own experience of life and these special situations onto these paintings. Nothing is happening, could be the motto of these paintings. This is true for the paintings, but not for the observer. His room to manoeuvre widens, because the depictions are not perfect reflections, because the artist only lets details speak. She is working towards a timeless image of man. Nowhere can anything be found that is not beautiful, the ugly has no place here. The people depicted are beautiful in themselves, in and through the painting.

This goes hand in hand with a combination of different techniques. Oil paintings, drawings, video and graphic arts. Over the last few years, Blasco has especially combined drawings, paintings and video. Within this new trio, a level of narrative is created which cannot be found in the individual pieces. The individual paintings are calm, timeless, retreating into their own depth. By combining them a sequence is created when reading the paintings, within the observer a chronology of understanding is created which can be understood as a hidden plot. As the paintings are iconographically loaded, the viewer can fill them with his own interpretations and burst out of the seemingly narrow realistic framework of the paintings. She used a similar process in her work papeles rotos (torn papers). The destruction and re-ordering of a former unit lets the observer take a narrative view.

The work Ascención consists of a drawing together with a video filmed while the drawing was being completed. It explains the working process that gives the calming influence of the drawing after its completion a story: the one of its creation. The title of this work can be interpreted in a very banal way: a woman walks up the steps of a staircase without any protecting banisters, perhaps an everyday event. Ascención can also mean an ascent to a throne in politics or ascension to heaven in the religious sense. But this woman is not climbing Jacob’s ladder, she is not in search of eternal heaven. No hope-filled sign is showing her the right way. A gleaming white dress carries her long black hair up into the darkness, into negation, into death, into hell? The theme is well known from religious paintings. And in modern times it is a plot that is depicted frequently, although completely taken out of its religious context. Marcel Duchamp with his “Nude Descending a Staircase, No.2”, 1912 (Philadelphia Museum of Art) marks the beginning of a long series of paintings on this theme. Based on this cubistic farewell to painting, Gerhard Richter for example creates the social painting “Ema. (Nude on a staircase)” 1966, (Museum Ludwig, Cologne). Blasco knows this tradition and shatters it. But she is not in search of lost time (Marcel Proust). She confronts the lost time with paintings of timelessness, full of present and future. She turns her back on the iconography. She defines it anew. Her act is a woman in clothes. She does not come down, but goes up. Her figure is leaving us. Duchamp’s and Richter’s women are arriving where we are. She manages to upset our logically-trained way of looking at things. We become insecure and are surprised by the energies hidden behind this rather calm art.

This package of techniques can also be observed in her Corpus paintings and in the works entitled Ophelia. The theme of the drowned woman is a familiar one. But here, as with Judith, the classical, drama-oriented iconography is disturbed. Neither is the Ophelia tradition of beautiful water lilies picked up here. Here again, Blasco works with reduction, with the human torso. The drawing and the two oil paintings complement one another. Traditional opaque white with toxic lead is used in these pictures and it guarantees this inner glow. At the same time, the two paintings stand in contrast to the calmness of the drawing. The video, which Blasco likes to set to music, adds a rhythm to what we see and carries its mood along, showing the creative process of the drawing backwards. The picture gradually disappears until in the end all we see is the blank paper. This process corresponds to a perception of paintings, where although people and faces are shown, they do not look back at the observer. In representing its subject, it withdraws and goes back into its pure state. The viewer has to work out the eye contact for himself. The image itself remains reserved and mysterious.

The block of work entitled Corpus, which intrudes into the Ophelia pictures, reveals in its very title the tradition of corpus in art. There is nothing particularly world-shattering here in terms of religion, life or the history of painting. But Corpus 2 reminds us of the The Death of Marat by Jacques-Louis David, 1793 (Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels) or of the corpses laid out in innumerable religious paintings. But Blasco does not try to find her way through paraphrasing. It has to be said though, that the paintings are just everyday records of a sleeping man, again shown as a torso. However, Blasco does not choose the classical torso of antiquity as an ideal of beauty, like the typical standing man without arms for example. The person portrayed is placed high up. He is lying in the upper half of the picture, as if lifted onto a pedestal by the bedding. Contrasts of dark and light are used in different ways. The technique of using charcoal and graphite allows not only unexpected picture depth but also wonderful hints, like the corner of a room (Corpus 2), an inexplicable inner lighting of the picture (Corpus 1) or a scarcely-defined back wall (Corpus 3). Moreover, the size of Corpus 1 is much larger than life. The drawings are evidence of an exact study of reality and also of the artist’s imagination, which allows her to create something in an even more realistic way than she might have seen it, for example the sophisticated play of folds on the bed cover, which are made to stand out more sharply than the body, rendering it more mysterious. The drawings do not hide anything and yet they are caught in their own world.

The three drawings are of different sizes. While in their content they form a triptych, they can only be shown side by side due to their form. But their unity is present straight away. It would be difficult to construct an action from the sequence of 1, 2, 3. But the observer tries to find a sequence within the sleeping person so that he can come up with some narrative. Comparing them, questions come up like: is it the same room, the same person? As Marcel Proust said in his work In Search of Lost Time (volume one of Swann’s Way, “Combray” section): “When a man is asleep, he has in a circle around him the chain of hours, the sequence of the years, the order of the heavenly host.” In the Corpus pictures as well, in this triptych of sleep, a kind of timelessness prevails which stands in opposition to the system of order. Here again, the shapes of the diptych or triptych show Marta Blasco’s critical approach to the traditional shapes of paintings.

Marta Blasco has applied the critical method Realism uses to deal with reality to create extremely powerful pictures. One might talk about existential works that open up an inner world, very personal on the one hand, but displaying a naturally public aspect on the other. Internationally, Blasco forms part of a generation which rejects abstract art. Our society can no longer guarantee a happy, ordered life. More than ever before in peacetime, the individual is worried; his plans for life, his hopes are being more and more restricted. Blasco shows this narrowing of options in her calm yet mysterious pictures. Despite her discretion, the pictures have a kind of appeal. She does not fit into the group of Spanish artists just after the time of Franco with their realistic paintings and many optical illusions. She cannot be compared with the Leipzig School of Art either. In this German representation of reality, historical realities are told through exaggeration and slightly surrealistic expressiveness. Blasco is not looking for a debate with photography as a challenge for precision and detail. Strangely enough, the only realistic technique she uses is video, which nonetheless always shows a process of a changing artistic reality, but never the reality outside the painting. Blasco avoids comparisons. Her thoughts are radically centred in art. Her pictures do not show the beautified figures of a mysterious tale like the ones we know from the artistic style of Balthus.

Blasco goes her own way, which is sometimes crossed by other considerations. She always remains within the world of her own pictures. Her representations are shortened, she does not show all the possibilities. In many steps, never in bright colour, she shows a psychologising world view. Her pictures are up to date, but at the same time, they have sneaked out of time. They are timeless. They unsettle through their apparent precision, which nevertheless cannot be seen in any voyeuristic sense. Showing facts is here combined with emotional criticism, experience and hope. The observer is always encouraged to follow her thoughts, to use his eyes in a positive sense. Entertainment value does not figure in the balance. Blasco makes it more difficult for the observer than he himself thinks at first glance. This is how she establishes the slowness and at the same time the longevity of her pictures. The are not conceived as a sheer pleasure to the eye for entertainment. They are intensive companions for life.

Dieter Ronte
Palma de Mallorca, July 2012

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